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Qui était Johannes Vermeer et pourquoi Google lui rend-il hommage ?

Johannes Vermeer est considéré comme l’un des plus grands peintres néerlandais de tous les temps. Nous fêtons aujourd’hui le 26e anniversaire de l’ouverture d’une exposition à la National Gallery of Art de Washington D.C., qui réunissait 21 de ses 35 œuvres existantes.

Johannes Vermeer
Quel était Johannes Vermeer, et pourquoi Google lui a rendu hommage ?

Découvrez l’histoire de Johannes Vermeer, l’un des peintres les plus importants de l’art baroque. Le 12 novembre, Google a décidé de se souvenir de lui avec un doodle.

Les techniques artistiques employées par Vermeer font encore l’objet de débats. Certains historiens de l’art suggèrent qu’il a tracé des images projetées à partir d’une camera obscura (un prédécesseur de l’appareil photo). Mais sans preuve physique pour étayer ces affirmations, certains spécialistes de Vermeer ne sont pas convaincus.

Le doodle Vermeer fait référence à trois de ses œuvres, les lettres de Google étant dispersées dans chacune d’elles. Celle de gauche fait référence à « L’allégorie de la peinture » (1666-1668), celle du milieu à « Femme écrivant une lettre, avec sa servante » (1670-1671) et celle de droite à « Jeune fille lisant une lettre à une fenêtre ouverte » (1657-1659).

En 1979, une radiographie a révélé un Cupidon caché dans ce dernier tableau. Les chercheurs ont continué à analyser la toile en 2017, déterminant que le Cupidon avait été recouvert par un autre peintre. En 2021, une initiative allemande a entièrement restauré le tableau. Ces efforts ne sont que quelques-unes des nombreuses tentatives visant à démystifier Vermeer et certaines des œuvres d’art les plus précieuses au monde qu’il a laissées derrière lui.

Ce vendredi 12 novembre, Google rendra hommage avec son doodle à Johannes Vermeer, un peintre néerlandais qui fut l’un des plus importants peintres de l’art baroque. Découvrez l’histoire de l’artiste et la raison pour laquelle on se souvient de lui à cette date.

Qui était Johannes Vermeer et pourquoi Google lui rend hommage

Johannes Vermeer est l’un des peintres néerlandais les plus célèbres de l’art baroque. Il a vécu entre 1632 et 1675, pendant ce que l’on appelle l’âge d’or néerlandais, au cours duquel les Provinces-Unies des Pays-Bas ont connu un extraordinaire épanouissement politique, économique et culturel.

Détail de La Procuresse (vers 1656), qui pourrait être un autoportrait de Vermeer.
Détail de La Procuresse (vers 1656), considéré comme un possible autoportrait de Vermeer.

Il est né à Delft, aux Pays-Bas, mais on sait peu de choses sur ses débuts. Les historiens pensent que, d’après ses premières peintures mythologiques, il aspirait d’abord à être un peintre d’histoire. À ce jour, seuls 35 de ses tableaux sont connus, les autres n’ayant pas été retrouvés, probablement parce qu’il peignait pour des mécènes, sur commande, plutôt que pour le marché de l’art.

Dans les années 1650, Vermeer a commencé à peindre des intérieurs subtilement éclairés, avec une symbologie complexe, un style caractérisé par les motifs traditionnels hollandais qui sont devenus sa marque de fabrique. Il a capturé le quotidien avec des détails radieux et exquis, créant des chefs-d’œuvre tels que La jeune fille à la boucle d’oreille de perle (1665), aujourd’hui exposé au musée Mauritshuis de La Haye, aux Pays-Bas.

Le mystère des techniques utilisées par Johannes Vermeer

Les techniques artistiques utilisées par Johannes Vermeer font encore l’objet de débats. Certains historiens de l’art suggèrent qu’il a tracé des images projetées à partir d’une camera obscura (un prédécesseur de l’appareil photo), mais en l’absence de preuves physiques à l’appui de ces affirmations, certains spécialistes de Vermeer restent sceptiques.

Pourquoi Google rend-il hommage à Johannes Vermeer avec son doodle vendredi ?

L’hommage rendu le 12 novembre est destiné à marquer l’ouverture, ce jour-là en 1995, d’une exposition du même nom à la National Gallery of Art de Washington DC, présentant 21 de ses 35 œuvres existantes.

À gauche, l’œuvre Doodle fait référence à « L’allégorie de la peinture » (1666-1668) et au milieu, « Femme écrivant une lettre, avec sa servante » (1670-1671). En 1979, une radiographie a révélé un Cupidon caché dans « Jeune fille lisant une lettre à une fenêtre ouverte » (1657-1659), qui est mentionné à droite du Doodle.

Johannes Vermeer

Johannes Vermeer van Delft /joˈɦɑnəs vərˈmeːr vɑn dɛlft/ (baptisé à Delft le 31 octobre 1632-ibidem, 15 décembre 1675), appelé par ses contemporains Joannis ver Meer ou Joannis van der Meer et même Jan ver Meer, est l’un des peintres néerlandais les plus réputés de l’art baroque. Il a vécu pendant ce qu’on appelle l’âge d’or néerlandais, au cours duquel les Provinces-Unies des Pays-Bas ont connu un extraordinaire épanouissement politique, économique et culturel.

L’œuvre complète de Johannes Vermeer est très réduite ; seuls 33 à 35 tableaux sont connus. Cela peut s’expliquer par le fait qu’il peignait pour des mécènes, sur commande, plutôt que pour le marché de l’art.

Il a peint d’autres œuvres, aujourd’hui perdues, qui sont connues grâce à d’anciens registres de vente aux enchères. Ses premières œuvres étaient de nature historique, mais il a atteint la célébrité grâce à ses peintures de genre, souvent considérées comme des tableaux de genre, qui constituent la majorité de sa production.

Ses œuvres les plus connues sont View of Delft et The Girl with the Pearl Earring. De son vivant, il a connu un succès modéré en tant que peintre. Il n’a pas vécu une vie riche, peut-être en raison du petit nombre de tableaux qu’il a produits, et à sa mort, il a laissé des dettes à sa femme et à ses onze enfants.

Pratiquement oubliée pendant deux siècles, la peinture de Vermeer est devenue largement reconnue à partir du milieu du XIXe siècle. Théophile Thoré a contribué à la consécration de Vermeer par des articles de journaux très élogieux. Il est aujourd’hui considéré comme l’un des plus grands peintres des Pays-Bas. Il est également particulièrement réputé pour sa maîtrise de l’utilisation et du traitement de la lumière.

Biographie

Il existe peu d’informations sur la vie de Johannes Vermeer, seulement quelques faits de base notés dans des archives et des documents juridiques, ainsi que des commentaires d’autres artistes à son sujet. Pour cette raison, Thoré l’a appelé le « Sphinx de Delft ».

La date de sa naissance n’est pas connue avec précision, mais on sait qu’il a été baptisé comme chrétien dans la Nieuwe Kerk protestante de la ville de Delft le 31 octobre 1632, sous le nom de Joannis. Il était le deuxième et unique fils de Reynier Jansz et de Digna Baltens.

Son père, originaire d’Anvers, s’est installé à Amsterdam en 1611 et a travaillé comme tisserand de soie, un métier de la classe moyenne à l’époque. En 1615, il épouse Digna, née à Anvers, et s’installe sous le nom de Vos à Delft, où il ouvre en 1641 une auberge appelée le Mechelen, d’après un célèbre beffroi (clocher) de Malines (Mechelen en flamand), situé près de la halle ou place du marché de la ville de Delft.

C’est là que Joannes, alors qu’il était presque un enfant, a exercé ses activités commerciales ; après la mort de son père en 1652, Joannes a hérité des locaux avec les affaires commerciales de son père. En outre, Reynier Jansz était un membre officiel de la guilde de Saint-Luc à Delft en tant que marchand d’art. C’est là que Jansz a rencontré des peintres tels que Pieter van Steenwyck, Balthasar van der Ast et Pieter Groenewegen.

Bien que Vermeer van Delft soit issu d’une famille protestante, il a épousé une jeune femme catholique nommée Catharina Bolnes en avril 1653. Ce fut un mariage malheureux : outre les différences religieuses (très à l’ordre du jour à l’époque), la famille de l’épouse était plus riche que celle de Vermeer.

Il semble que Johannes Vermeer lui-même se soit converti avant le mariage, car ses enfants portent des noms tirés du calendrier des saints catholiques ; en outre, l’un de ses tableaux, intitulé L’allégorie de la foi, reflète la foi en l’Eucharistie, mais on ne sait pas s’il fait référence à la foi de Vermeer ou à celle de son mécène.

Peu après le mariage, le couple s’installe dans la maison de la mère de Catharina, Maria Thins, une veuve aisée qui vit dans le quartier catholique de la ville. Vermeer aurait vécu ici avec toute sa famille pour le reste de sa vie. Maria a joué un rôle fondamental dans l’œuvre du peintre : non seulement la première petite-fille porte son nom, mais elle a également utilisé ses revenus pour faire connaître son gendre dans le monde de l’art. Johannes et sa femme ont eu quinze enfants, dont quatre sont morts avant leur baptême.

Formation

Il n’existe aucune information certaine sur sa formation de peintre. Il est devenu membre de la guilde de Saint Luc le 29 décembre 1653 en tant que peintre libre. Cette étape a dû être précédée d’un long apprentissage de six ans, car seul un maître pouvait être membre de la guilde.

Il est possible que Vermeer ait été un élève de Leonaert Bramer, une hypothèse qui n’a pas été largement acceptée en raison des différences de style, bien qu’une relation entre les deux soit documentée. Des contacts avec Gerard ter Borch ont également été démontrés.

On a également émis l’hypothèse qu’il était un élève de Carel Fabritius, qui avait lui-même été formé dans l’atelier de Rembrandt. Cette hypothèse a été largement acceptée depuis le 19e siècle, lorsqu’elle a été défendue par Théophile Thoré, et est encore largement répandue, mais aujourd’hui les experts doutent de sa véracité.

Au contraire, Pieter de Hooch, qui a vécu à Delft entre 1652 et 1661, est souvent mentionné comme l’une des principales influences de Johannes Vermeer, car le style raffiné et esquissé de Hooch est reconnaissable dans la peinture de genre de Vermeer.

Vie de famille et travail

Johannes Vermeer épouse Catharina Bolnes le 20 avril 1653 à Schipluy, un village près de Delft. La mère de Catharina, Maria Thins, s’oppose initialement au mariage. L’une des raisons pourrait être la confession calviniste de Vermeer, alors que Catharina Bolnes était catholique.

Fille militaire et rieuse (1658).
Le militaire et la jeune fille qui rit, également connu sous le nom de Le soldat et la jeune fille qui sourit, est une peinture de l’artiste Johannes Vermeer réalisée vers 1658 et conservée dans la Frick Collection de New York.

Ce n’est qu’après la recommandation du peintre catholique Leonaert Bramer que Maria Thins se décide à accepter le mariage. La question de savoir si Johannes Vermeer est devenu catholique ou non fait toujours débat.

En 1660, Vermeer s’installe avec sa femme dans la maison de sa belle-mère, dans l’Oude Langendijk. Il a eu quinze enfants avec Catharina Bolnes, dont au moins quatre sont morts en bas âge. Il semble que Johannes Vermeer ne gagnait pas assez d’argent pour nourrir sa grande famille.

Comme il ne peignait en moyenne que deux tableaux par an, il devait avoir d’autres sources de revenus. On sait qu’il aidait sa mère dans la taverne Mechelen du Grand Marché de Delft, dont elle avait hérité à la mort de son mari et dans laquelle Vermeer exerçait très probablement son activité artistique, une activité très répandue chez les peintres néerlandais du XVIIe siècle.

En 1662 et 1663, ainsi qu’en 1670 et 1671, Vermeer est doyen de la guilde (ou gulde) de Saint Luc. Comme tous les artisans du XVIIe siècle, il devait appartenir à une guilde pour pouvoir exercer son métier, et la guilde fixait les règles selon lesquelles ses membres travaillaient. Le poste de doyen était très influent, ce qui montre que Vermeer était une personnalité respectée à Delft.

De son vivant, Johannes Vermeer a vu que ses tableaux atteignaient des prix élevés. Il a peint peu de tableaux pour le marché libre de l’art ; ses peintures étaient surtout destinées à des mécènes, comme le boulanger Hendrick van Buyten. Mais on ne sait pas si les mécènes commandaient les tableaux au peintre ou s’ils avaient seulement un droit préférentiel pour les acheter.

Il a déjà été mentionné qu’en plus de son activité artistique, Johannes Vermeer travaillait comme expert en art. Ainsi, par exemple, il a vérifié l’authenticité d’une collection de peintures vénitiennes et romaines que le marchand d’art Gerrit van Uylenburgh voulait vendre pour 30 000 florins à l’électeur de Brandebourg Frédéric-Guillaume Ier.

Il s’est rendu à La Hague en 1672 et a acheté les peintures pour 30 000 florins. Il s’est rendu à La Haye en 1672, où il a examiné les tableaux en compagnie du peintre Hans Jordaens. Il a nié l’authenticité des tableaux devant un notaire, déclarant que la valeur des tableaux représentait tout au plus un dixième du prix demandé.

Dernières années et décès

Dans les dernières années de sa vie, sa situation financière s’est aggravée et il a dû contracter des prêts. En raison de la guerre franco-néerlandaise qui débute en 1672, il ne peut plus vendre de tableaux.

Selon une lettre du 30 avril 1676 de Catharina Bolnes demandant l’effacement d’une partie de ses dettes, elle commente que son mari a dû vendre des tableaux qu’il avait échangés pendant la guerre pour moins que leur valeur.

En 1675, Johannes Vermeer tombe malade et meurt quelques jours plus tard. Le 15 décembre 1675, il est enterré dans le tombeau familial dans la Oude Kerk (vieille église) de Delft. Sa femme a dû renoncer à son héritage afin d’annuler ses dettes et sa succession est allée aux créanciers.

Travaux

Son œuvre complète comprend 33-35 tableaux, qu’il est difficile de dater. Des doutes subsistent quant à la paternité des peintures La dame assise sur une vierge, La jeune fille à la flûte, Diane et ses compagnes et Saint Praxède.

Le nombre relativement faible de tableaux qui subsistent a incité les spécialistes à lui attribuer à plusieurs reprises des tableaux, dont la plupart sont aujourd’hui considérés comme de fausses attributions.

Vers 1659-1660, une Dame avec deux Messieurs ou une Fille avec un verre de vin (Herzog Anton Ulrich-Museum, Brunswick).
Dame avec deux messieurs ou Fille avec un verre de vin, vers 1659-1660 (Herzog Anton Ulrich-Museum, Brunswick).

Bien qu’on l’attribue à la période baroque, le fait est que les tableaux connus de Vermeer sont très différents de ceux de son époque et, à certains égards, son « intemporalité » et sa « cristallinité » sont plus proches de l’œuvre de Jan Van Eyck.

En effet, contrairement au baroque commun, l’œuvre de Johannes Vermeer est dépouillée, aseptisée, avec un air presque cristallin, propre, raffiné et intemporel, comme s’il arrêtait l’instant dans un moment clair et éternel.

Son travail est donc très singulier en ce sens qu’il est très personnel et qu’il est donc difficile de le classer dans un seul style.

Avec une austérité cristalline et une fidélité obsessionnelle (très différente du baroque plus courant), Vermeer – comme dans les perles qui ornent ses jeunes filles – représente peut-être involontairement la fragilité de la vie dans des portraits qui sembleraient – pour utiliser la nomenclature actuelle – hyperréalistes, bien que d’un hyperréalisme très médité, calme et profondément intime, dans certains tableaux, plutôt que baroque, il se rapproche du ténébrisme maniériste du Caravage, comme on peut le constater dans la Jeune fille au turban.

Plusieurs des premières peintures de Johannes Vermeer sont considérées comme de la peinture d’histoire. Ce genre a atteint le plus haut niveau de prestige au XVIIe siècle, au-dessus du portrait, du paysage, de la nature morte et de la peinture animalière. À l’époque de Vermeer, la peinture d’histoire incluait les événements de l’Antiquité classique, les mythes et légendes des saints, ainsi que des motifs ecclésiastiques et bibliques.

Dans la seconde moitié des années 1650, Johannes Vermeer s’intéresse de plus en plus aux scènes urbaines et de genre. La raison de ce changement n’est pas connue, mais on suppose que Vermeer n’était pas en mesure d’employer les techniques de perspective et d’illumination dans les peintures historiques comme le permettaient d’autres genres de peinture.

Le changement de style peut également être dû à l’influence de Pieter de Hooch et Jan Steen, qui vivaient tous deux à Delft. Tous deux ont inclus des éléments architecturaux et figuratifs de la vie quotidienne dans leurs peintures. En outre, Hooch, Steen et Vermeer peuvent avoir été influencés par l’environnement de Delft et avoir introduit des changements de contenu et de style dans leur peinture. Cette thèse pourrait être soutenue par le fait que les changements stylistiques de Steen et Hooch se sont produits après leur arrivée à Delft.

Peinture historique

En comparaison avec les œuvres ultérieures de Johannes Vermeer, les trois premiers tableaux historiques sont de grande taille : le Christ dans la maison de Marthe et Marie, 160 x 142 cm, Diane et ses compagnes, 98,5 x 105 cm, et Saint Praxède, 101,6 x 82,6 cm. Un exemple de la taille de ses dernières œuvres est la Fille au turban, qui ne mesure que 45 x 40 cm.

Le Christ dans la maison de Marthe et Marie, vers 1654-55 (National Gallery of Scotland, Édimbourg).
Le Christ dans la maison de Marthe et Marie, vers 1654-55 (National Gallery of Scotland, Édimbourg).

Dans Le Christ dans la maison de Marthe et Marie, peint vers 1654-655, Vermeer revisite une scène de l’Évangile de Saint Luc : Jésus est invité chez Marthe pour un repas sur la place du marché. Pendant que Marthe prépare le repas, Marie écoute Jésus.

Marthe demande à Jésus pourquoi il ne demande pas à Marie de l’aider et Jésus répond :  » Marthe, Marthe, tu es préoccupée et perdue par mille choses : une seule chose est nécessaire. Marie a choisi la meilleure part, qui ne lui sera pas enlevée. » L’histoire est un thème fréquemment traité dans la peinture à partir du XVIe siècle, car elle reflète bien le problème des bonnes œuvres pointé par les protestants, qui les considèrent comme une action superficielle et pour les apparences.

La composition est simple par rapport aux œuvres ultérieures et se présente sous la forme d’une pyramide. Marthe, tenant un panier de pain, se trouve derrière Jésus, assis sur une chaise et dont la tête est entourée d’une légère auréole. Au premier plan, Marie est assise sur un tabouret, la tête reposant sur sa main.

Le geste de Marie était destiné à indiquer une réflexion. En signe de dévotion devant Jésus, elle ne porte pas de chaussures. Le bras tendu de Jésus pointant vers Marie devait exprimer qu’elle avait décidé de la meilleure activité. Vermeer a utilisé de forts contrastes de couleurs entre le blanc de la nappe et le rouge du corsage de Marie, ainsi que le bleu de la robe de Jésus.

Le deuxième tableau historique de Johannes Vermeer, Diane et ses compagnes, a été peint vers 1655-1656. Diane, également appelée Artémis, est la déesse grecque de la chasse et était considérée comme particulièrement chaste. Dans le tableau, elle est représentée assise sur une pierre et entourée de quatre nymphes.

Dans l’art, Diane était souvent représentée dans une robe courte ou se baignant nue ; Johannes Vermeer la dépeint habillée, une concession au puritanisme, qui considérait la nudité comme abjecte. Ainsi, une nymphe à moitié nue, debout derrière Diane, tourne le dos au spectateur. Il n’y a pas beaucoup d’action dans le tableau ; deux nymphes sont assises avec Diane sur une pierre, une autre est à l’arrière-plan et regarde la quatrième laver les pieds de Diane. Cette action rituelle crée un lien avec le motif chrétien du lavement des pieds de Jésus.

La scène se déroule au crépuscule, de sorte que les visages des femmes restent dans l’ombre. L’obscurité et le diadème en forme de croissant de lune sont une allusion au fait que Diane est souvent confondue avec Séléné, déesse de la lune. Le tableau Diane et ses compagnes a été jugé défectueux, notamment dans la représentation des poses, et des doutes ont été exprimés à plusieurs reprises quant à la paternité de Vermeer. Ces doutes n’ont jusqu’à présent été ni confirmés ni démentis.

Paysages urbains

Johannes Vermeer a peint deux tableaux liés à sa ville natale : L’Allée et Vue de Delft. Les paysages urbains étaient généralement le résultat de commandes publiques ou privées, et étaient très rarement peints pour le marché libre. C’est pour cette raison que les prix sont plus élevés que ceux des peintures de paysage.

Vue de Delft
Vue de Delft est l’une de ses peintures les plus admirées, vers 1660-1661, (Mauritshuis, La Haye). Il s’agit de son deuxième et dernier paysage urbain et c’est une vue très précise. Il a dû être aidé par une caméra obscura. L’impression de lumière est exprimée avec une maîtrise inégalée.

Vue de Delft a été peint vers 1660 ou 1661. Vermeer l’a probablement peint à l’aide d’une camera obscura depuis un étage élevé. La hauteur de son point de vue est particulièrement évidente dans les figures du coin inférieur gauche. La peinture montre une vue de la ville avec la rivière Schie au premier plan.

Vermeer a disposé les éléments architecturaux du tableau parallèlement au bord de la toile, comme il l’a fait dans ses autres tableaux et contrairement à d’autres peintres, qui tentent de transmettre la vie intérieure de la ville avec des rues en retrait.

Il a également placé une zone triangulaire de la rive du fleuve au premier plan de la composition. Cet élément, qui a été introduit dans la peinture par Pieter Brueghel l’Ancien, a été fréquemment utilisé, comme par exemple dans le tableau Vue du Zierikzee d’Esaias van de Velde.

Vermeer a utilisé principalement des couleurs ocre et brunes pour colorer le paysage. Sur les bâtiments ombragés au premier plan et sur les coques des navires, il a placé des points de couleur pour représenter la structure des joints et les incrustations.

La lumière, qui pénètre à travers les nuages, illumine les bâtiments à l’arrière-plan et la tour de la Nieuwe Kerk en particulier. Avec cette illumination du clocher de l’église, Johannes Vermeer a probablement voulu faire une déclaration politique. Dans la Nieuwe Kerk se trouvait la tombe de Guillaume d’Orange, qui fut assassiné lors d’une tentative de meurtre à Delft en 1584 et qui était considéré comme un héros de la résistance contre l’Espagne.

Peinture moraliste

La Procuresse, peinte en 1656, est le premier tableau de Vermeer que l’on peut classer comme une peinture de genre. Il est probable que Vermeer se soit inspiré du tableau du même nom de Dirck van Baburen, qui était en possession de sa belle-mère, Maria Thins.

Le tableau apparaît dans plusieurs œuvres de Vermeer comme un indice du sujet traité. La Procuresse peut être incluse dans la catégorie des Bordeeltje, peintures de bordels, qui sont une sous-catégorie de la peinture de genre. La toile montre quatre personnes, deux femmes et deux hommes. Pour classer la scène en détail, les détails manquent ; il pourrait s’agir d’une scène de bordel ou d’une scène de ménage.

Dans le premier cas, la femme à droite serait une prostituée et l’homme derrière elle serait un proxénète. La femme habillée en noir serait la procuratrice, qui aurait organisé le commerce. En revanche, s’il s’agissait d’une scène de ménage, le tableau représenterait le début d’une relation extraconjugale. Dans ce cas, la procuratrice serait une femme du quartier qui aurait organisé la rencontre.

L’homme à gauche pourrait être Johannes Vermeer lui-même ; il s’agit de son seul autoportrait. Des personnes assises, seuls les troncs sont visibles, car leurs jambes sont couvertes par une table au premier plan. La composition donne au spectateur un sentiment d’éloignement de la scène. Comme les peintures de genre étaient également destinées à transmettre des valeurs, elles contenaient souvent des avertissements.

Le vin, représenté par la cruche et le verre dans la main de la prostituée, dont les joues sont rougies par l’alcool, devait indiquer que les gens devaient rester vigilants malgré les tentations des sens. L’aspect central du tableau, la vénalité de l’amour, n’est représenté qu’indirectement, avec la main ouverte de la prostituée qui attend la pièce du proxénète. Vermeer est donc beaucoup plus sobre que d’autres peintres qui utilisent des signes plus radicaux, comme Frans van Mieris, qui montre deux chiens en train de copuler à l’arrière-plan du Soldat et la jeune fille.

La Jeune fille endormie, peinte vers 1657, est une autre œuvre de Vermeer comportant un message moralisateur. La jeune femme est assise à une table recouverte d’un tapis oriental. Le tapis forme un triangle à l’avant de la table et Vermeer l’a disposé avec un pichet de vin et une assiette de fruits.

La femme dort en s’appuyant sur sa main, le coude sur la table, afin de souligner son oisiveté. La robe suggère qu’elle n’est pas une servante mais l’épouse du maître de maison, qui est en charge de l’administration du foyer. Johannes Vermeer avait initialement inclus plusieurs autres éléments significatifs dans le tableau afin de donner à la femme plus d’interaction.

Ainsi, une étude aux rayons X a révélé la présence d’un chien à la porte et d’un homme dans le fond gauche du tableau, tous deux ayant été repeints par la suite. Grâce à ces éléments, l’interprétation de la composition devient plus facile. Le motif du goût pour le vin est repris dans ce tableau grâce à la présence de la cruche, mais aussi dans le titre Jeune fille buvant et dormant à une table, qui lui a été donné lors d’une vente le 16 mai 1696 : à force de boire du vin, la ménagère néglige ses devoirs à la maison.

Peintures de femmes

La plupart des représentations de femmes dans les tableaux de Johannes Vermeer sont liées à un récit dans lequel des instruments de musique ou des objets domestiques influencent la perception de l’action. Seuls trois tableaux s’écartent sensiblement de ce ton et peuvent être qualifiés de portraits.

Fille endormie, vers 1657 (Metropolitan Museum of Art, New York).
Fille endormie, vers 1657 (Metropolitan Museum of Art, New York).

Il est très probable que les modèles, étant donné l’âge et l’apparence des modèles, les jeunes femmes peintes avec soin par Johannes Vermeer, étaient ses propres filles.

Le tableau Jeune fille lisant une lettre, peint vers 1657 et donc dans la phase initiale de Vermeer, représente une femme avec une lettre, qui détermine l’action du tableau.

L’élément de la lettre a été repris par Johannes Vermeer dans d’autres tableaux. Dans celui-ci, la jeune fille est située au centre du tableau, tenant une lettre à la main, devant une fenêtre ouverte. Sur le côté droit se trouve un rideau, au premier plan une table.

Jeune fille lisant une lettre , vers 1657 (Gemäldegalerie Alte Meister, Dresde).
Jeune fille lisant une lettre , vers 1657 (Gemäldegalerie Alte Meister, Dresde).

La femme est représentée de profil, mais le spectateur peut voir son visage dans un reflet dans la fenêtre. Le fait que la lettre soit peut-être une lettre d’amour peut être lu dans des détails, comme la fontaine pleine de pommes et de pêches, en relation avec l’histoire d’Adam et Eve.

Le rideau au premier plan peut renforcer cette idée, car il est ouvert comme un signe de révélation, mais il peut aussi être un élément de composition, souvent utilisé par Johannes Vermeer.

Dans la plupart des représentations de femmes de Vermeer, la moralité joue un rôle important. Même dans les peintures de femmes jouant de la musique, le thème apparaît. Un exemple en est le tableau Dame au virginal ou Dame debout près du clavecin, peint entre 1673 et 1675.

Même l’instrument, un « virginal », est une indication de la virginité de la jeune fille peinte. Ce fait est surtout déduit du fait que dans les Pays-Bas du XVIIe siècle, il était strictement appliqué qu’une femme devait être vierge au moment du mariage. La peinture sur le mur, avec sa représentation de Cupidon, représente un contraste avec cette conception de la moralité.

La Laitière (1658-1660). Rijksmuseum (Amsterdam).
La Laitière (1658-1660). Rijksmuseum (Amsterdam).

La peinture la plus connue de Vermeer est la Jeune fille au turban ou la Jeune fille à la perle, peinte vers 1665. Sa renommée est principalement due à son accueil moderne et au fait qu’elle a été l’image choisie pour représenter une exposition à succès au Mauritshuis de La Haye en 1995 et 1996.

La jeune fille est représentée en gros plan et sans attributs narratifs, ce qui distingue ce tableau des autres de Vermeer. L’identité du modèle est inconnue. Elle pourrait être un modèle, mais il pourrait aussi s’agir d’une œuvre commandée. Le fond du tableau est neutre et très sombre, mais multicolore et donc pas noir.

Le fond sombre renforce la légèreté de la jeune fille, notamment celle de sa peau. Sa tête est légèrement inclinée, ce qui lui donne un air rêveur. La jeune fille interagit avec le spectateur en le regardant directement et en ouvrant légèrement la bouche, ce qui, dans la peinture néerlandaise, indique souvent une conversation avec le spectateur. Les vêtements de la jeune fille sont peints dans des couleurs presque pures.

Le nombre de couleurs visibles dans le tableau est limité. La veste de la fille est de couleur brun-jaune et forme un contraste avec le turban bleu et le col blanc. Le turban, dont le tissu jaune tombe en arrière, est un signe de l’intérêt pour la culture orientale qui s’est développé à l’époque à la suite des guerres contre l’Empire ottoman.

Les turbans deviennent ainsi un accessoire populaire et répandu dans l’Europe du XVIIe siècle. Une perle dans l’oreille de la jeune fille, qui brille dans la zone ombragée du cou, est particulièrement frappante.

Représentation des sciences

Dans Le Géographe, peint en 1668 et 1669, ainsi que dans le tableau parallèle L’Astronome de 1668, Vermeer traite des sciences. Il fait également référence à la cartographie dans d’autres tableaux, dans lesquels l’arrière-plan est occupé par des cartes. La cartographie était une science jeune et encore en développement.

Au XVIIe siècle, les cartes étaient un objet de luxe, mais, en plus d’être un signe de richesse, elles représentent également la connaissance dans les tableaux de Johannes Vermeer. En outre, les cartes représentent la puissance des Pays-Bas en tant que puissance commerciale, qui commerçaient avec des pays lointains.

Le géographe, vers 1668-1669 (Städel Institute, Frankfurt am Main).
Le géographe, vers 1668-1669 (Städel Institute, Frankfurt am Main).

Grâce à leur empire, les Pays-Bas ont fait partie des plus importantes puissances coloniales du 17e siècle. Un exemple de l’utilisation de cartes dans les peintures de Johannes Vermeer est L’homme et la fille qui rient.

Le géographe montre le scientifique au milieu de la toile comme motif central. Le géographe porte ses longs cheveux derrière l’oreille et est vêtu d’une longue robe. Sur la table au premier plan se trouvent une carte et une couverture utilisée pour étaler les cartes.

Sur l’armoire à l’arrière-plan se trouve un globe terrestre. Le scientifique vérifie une distance sur la carte avec une boussole, mais à ce moment-là, il regarde par la fenêtre. La lumière brille sur son visage, indiquant l’illumination et la sagesse. La toge donne au géographe un air de mystère, ce qui doit être compris comme une perception répandue du scientifique à l’époque.

En représentant un géographe et un astronome, Johannes Vermeer opère un important changement de paradigme. Jusqu’au XVIIe siècle, il était mal vu de traiter de l’étendue, de la forme et de l’histoire de la Terre, ainsi que des étoiles.

Elle était considérée comme imprudente et contraire au plan divin. Malgré cela, les sciences qui étudient la Terre et les étoiles apparaissent dès la fin du XVe siècle.

Depuis la découverte de l’Amérique, de l’Asie et de l’Afrique par les Européens, les marchands, les navigateurs et les nobles avaient besoin de plus de connaissances géographiques, qui ont été accumulées dans des livres, des cartes et des globes.

Allégories

Johannes Vermeer a peint, en plus de ses tableaux réalistes, qui traitent généralement de sujets banals, deux allégories dans lesquelles il personnifie des thèmes abstraits et prend position à travers des symboles et des références.

Les peintures sont intitulées Allégorie de la foi, peintes entre 1671 et 1674, et Allégorie de la peinture ou L’art de la peinture. Vermeer y a puisé dans les connaissances iconographiques de Cesare Ripa.

Allégorie de la foi (vers 1670)
Allégorie de la foi (vers 1670)

L’Art de la peinture a été peint vers 1666 et a une taille de 120×110 centimètres, ce qui en fait l’une des plus grandes œuvres peintes par Vermeer.

De nombreux historiens de l’art considèrent ce tableau comme l’héritage pictural de Johannes Vermeer. Ainsi, Hans Sedlmayr a utilisé le titre L’éloge de l’art de la peinture. Le nom du tableau remonte au paiement des dettes après la mort de Vermeer, où il est dit que « c’est un tableau, […], dans lequel l’art de la peinture est représenté ».

Le tableau représente un atelier de peinture, peut-être inspiré de celui de Vermeer, car une table en chêne comme celle du tableau figure dans la liste d’inventaire du peintre. Sur la table se trouvent un livre, symbole de sagesse et de contemplation, et un masque, qui doit être compris comme une représentation de la sculpture.

La figure principale est le peintre au centre, devant une toile presque vide. Il tourne le dos au spectateur, de sorte qu’il reste anonyme. À l’arrière-plan se trouve une jeune femme qui sert de modèle au peintre. Elle porte une cape en soie bleue et une jupe jaune. Dans sa main gauche, elle tient un livre, dans sa main droite un trombone. Sur sa tête, elle porte une couronne de laurier, représentant la gloire éternelle.

Détail de la muse Clío de l'Allégorie à la peinture, vers 1666.
Détail de la muse Clío de l’Allégorie à la peinture, vers 1666.

Depuis la Renaissance, la toile vide est le symbole de l’idée artistique qui prend forme dans le processus pictural. Le fait que le peintre travaille sur un tableau tandis qu’un masque reste sur la table a été interprété comme la compétition des arts, le Paragone.

C’est ainsi que la peinture triomphe de la sculpture. Les études modernes sont presque certaines que la femme n’est pas simplement un modèle ou une allégorie de la Renommée, mais représente la Muse Clio, la muse de l’Histoire dans la mythologie grecque.

Cette interprétation est également soutenue par la carte de Nicolaus Visscher accrochée au mur à l’arrière-plan, qui montre les 17 anciennes provinces des Pays-Bas avant la paix avec l’Espagne en 1609. La carte est entourée de part et d’autre de vues de villes, et Clio est représentée avec son trombone, symbole de gloire, devant La Haye, avec une vue du palais royal.

Cela peut être interprété comme un hommage de Johannes Vermeer à la Maison d’Orange. Le tableau a été peint au début de la guerre franco-néerlandaise, qui a duré de 1672 à 1678, à une époque de troubles internes aux Pays-Bas, alors que l’espoir était placé dans les Orange. En outre, une attitude positive envers le Saint Empire romain germanique est révélée, par exemple dans la lampe avec l’aigle bicéphale des Habsbourg.

Dessins

Il n’existe aucun dessin pouvant être attribué avec certitude à Johannes Vermeer. Leur absence a conduit de nombreux auteurs à supposer que Vermeer n’avait pas besoin d’études pour ses tableaux. Cette idée est contredite par le dessin controversé Fille avec un chauffe-pieds, attribué à Vermeer et daté de 1655.

Il s’agit d’un dessin de 25,5 x 16,5 centimètres, tracé à la craie sur du papier bleu, qui fait partie de la collection du musée du palais de Weimar.

Les partisans de l’attribution se fondent principalement sur des similitudes stylistiques et sur la ressemblance du monogramme au-dessus du chauffe-pieds avec les signatures des tableaux Fille lisant une lettre et Vue de Delft. Les opposants affirment que le papier bleu n’a commencé à être produit que dans les siècles suivants.

Ceci est contredit par un rapport de Karel van Mander, qui a précédé Johannes Vermeer et qui est l’auteur des Schilderboeks. Van Mander décrit un élève du portraitiste Michiel Miereveld de Delft : « il est assidu à la recherche de la beauté plus mûre de la peinture, pour donner de la couleur il emploie différentes manières inventées par lui-même, il dessine aussi entre les deux sur du papier bleu […] » Ceci indique que le papier bleu existait dans la région de Delft bien avant Vermeer.

Évolution de sa technique

L’œuvre de Johannes Vermeer a été exécutée entre 1654 et 1675. Seuls trois de ses tableaux sont datés et les autres ne peuvent l’être qu’en raison du style utilisé.

Le premier tableau daté est La Procuresse de 1656. Son style est très éloigné des intérieurs et des paysages qui l’ont rendu célèbre. Il y a deux autres tableaux qui doivent être antérieurs, le Christ dans la maison de Marie et le repos de Marie, qui sont tous deux considérés comme des œuvres de jeunesse.

Dans Femme à la cruche d'eau
Dans Femme à la cruche d’eau, vers 1662. Vermeer fait évoluer sa technique vers un modelage plus subtil, évitant les contrastes prononcés et utilisant un éclairage tamisé. Le raffinement est de plus en plus complexe.

Le genre des intérieurs avec différentes figures représentées dans une pièce a été créé entre 1620 et 1630 et s’est établi dans les Pays-Bas. Dans La jeune fille endormie, peint vers 1657, probablement après La Prophétesse, Vermeer s’avoue adepte de ce genre.

En 1653, le peintre Pieter de Hooch, de trois ans plus âgé que Johannes Vermeer, s’était installé à Delf. Entre 1658 et 1660, il a peint une série d’intérieurs qui devaient être étonnants par leur qualité. Son influence sur Vermeer est confirmée par quatre tableaux qui rappellent clairement le style de Hooch.

Il s’agit de Fille lisant une lettre, Homme militaire et Fille riant, Dame buvant avec un gentilhomme et La laitière. Johannes Vermeer a réduit le nombre de personnages à un ou deux, mais il s’est surtout attaché à représenter les détails avec la plus grande perfection, comme le poli du bois et la douceur des draperies.

La Fille au collier de perles (1662-66).
La Fille au collier de perles (1662-66). C’est l’une des trois peintures de femmes peintes dans la fleur de l’âge. Le jaune et le blanc déterminent la lumière et l’environnement.

Dans des tableaux tels que la Dame buvant avec un gentleman, il atteint une unité, une intimité et une sérénité qui surpassent l’œuvre de Hooch.

Les expériences des peintres de Delft avec le paysage urbain ont connu un moment magistral dans la série de tableaux de Hooch datant de 1658, dont la saisissante Cour intérieure. Selon Albert Blankert, ces peintures de Hooch ont dû encourager Vermeer à s’essayer à la peinture d’extérieurs.

Cependant, Vermeer a encore produit un meilleur tableau, La ruelle, dans lequel, au lieu d’une approche en profondeur comme dans La cour intérieure, il a représenté une succession de façades et de portes sur un seul plan avec des couleurs plus claires et un modelage plus précis, en utilisant sa célèbre technique du pointillisme.

Dans cette technique, également connue sous le nom de pointillé (à ne pas confondre avec le pointillisme), les couleurs transparentes étaient produites en appliquant la peinture avec parcimonie en couches granuleuses sur la toile.

Probablement après La ruelle, Vermeer s’est aventuré dans un paysage extérieur plus vaste : Vue de Delft. C’est une vue tout à fait exacte et fidèle et il a probablement utilisé une camera obscura. Il y a réussi à exprimer l’impression de lumière avec une maîtrise totale.

Ces œuvres, de La jeune fille lisant une lettre à Vue de Delft, peintes entre 1656 et 1661, appartiennent toutes au même style. On y retrouve le même modelage ferme et énergique, et la couleur est appliquée en couches assez épaisses, surtout dans les parties les plus claires.

Dans ses œuvres ultérieures, dont la transition est estimée à 1662, Vermeer utilise une technique différente avec un modelage délicat, évitant les contrastes prononcés, utilisant un éclairage tamisé et un raffinement de plus en plus complexe. C’est le cas de Lady with Two Gentlemen et Woman with a Ewer.

Il a ensuite produit sept tableaux plus mûrs et méticuleusement peints entre 1662 et 1666, car ils n’appartiennent pas à sa dernière période, qui commence en 1667. Ce sont les meilleures œuvres de Vermeer.

Les trois premiers ont un seul sujet féminin et sont des compositions similaires. Une table horizontale recouverte d’un tapis et de divers objets contraste avec la verticalité d’une femme debout. Les lignes et le modelage des formes sont extrêmement délicats.

Il s’agit de La lectrice en bleu, L’évaluateur de perles et La fille au collier de perles. Chaque tableau diffère par sa lumière et ses couleurs ; dans La jeune fille au collier, le jaune et le blanc dominent, la lumière diffuse et le bleu sont les couleurs du Lecteur en bleu, tandis qu’une lumière filtrée par un rideau orange enveloppe l’Évaluateur de perles dans une semi-obscurité.

Vermeer a disposé ces figures de manière à ce qu’elles restent immobiles, recherchant la solitude et l’harmonie dans le repos.

Le point culminant de son art

Dans les trois suivants, il a cherché à poursuivre la méticulosité des trois tableaux de femmes précédents et à développer un effet spatial beaucoup plus complexe.

Dans La leçon de musique comme dans Le concert, il établit un rythme puissant entre les éléments qui se succèdent du premier plan au mur de l’arrière-plan, où une série de rectangles (tableaux, miroir, clavecin) contribue à souligner cet alignement d’objets en profondeur.

Lecteur en bleu (1662-66)
Lecteur en bleu (1662-66)

Dans la même veine, il a élaboré son grand chef-d’œuvre L’art de la peinture. Il y a articulé avec une exécution naturiste, une composition complexe et un espace inondé de lumière, atteignant son plus haut niveau. Enfin, toujours dans La fille à la perle, il a obtenu un effet très naturel, en se concentrant sur le regard de la jeune femme, qui est l’essence du tableau, sans aucun autre accessoire.

Après la perfection de L’art de la peinture, il est difficile de progresser davantage et Vermeer décide de changer son style en faveur de la stylisation.

L'évaluateur de perles (1662-66)
L’évaluateur de perles (1662-66)

Ainsi, dans la Dame à la Vierge, il s’est passé des détails anecdotiques des autres tableaux. L’ombre et la lumière sont disposées de manière plus rigoureuse. De plus, afin de montrer cette réalité plus simplifiée, il a changé sa technique une fois de plus.

Il abandonne les transitions progressives de la couleur et opte pour la juxtaposition de couleurs claires et sombres. Il a réalisé plusieurs tableaux de cette manière, comme L’Astronome du Louvre, mais c’est dans La Dentellière, où il représente une femme concentrée sur son travail, qu’il y est parvenu en concentrant l’attention sur le visage et les mains et en se passant des détails qui pouvaient détourner l’attention.

La leçon de musique (1662-66)
La leçon de musique (1662-66)

Il a atteint la même maîtrise dans Une dame écrivant une lettre et sa servante, dans laquelle il a combiné les éléments habituels pour dépeindre une sérénité que l’on ne retrouve pas dans les tableaux précédents.

Le style tardif est extrême dans Femme jouant de la guitare, certains détails sont traités de manière schématique, mais Vermeer, qui avait toujours opté pour des figures calmes et immobiles, abandonne l’idéal qu’il avait toujours recherché en faisant rire et bouger son sujet.

À partir de 1672, il connaît des années de difficultés financières et semble avoir peint une série d’œuvres de commande dans lesquelles sa décadence est visible.

L'art de peindre vers 1666
L’art de peindre vers 1666

Cela se voit dans des tableaux tels que l’Allégorie de la foi, où il se passe de ses recherches et de ses découvertes, ou dans la Femme assise jouant de l’épinette, où l’on peut également constater le déclin de son pouvoir créatif, comme dans les plis de la robe, qui n’ont plus sa maîtrise, ou encore le tableau n’a plus sa lumière et apparaît dans une semi-obscurité.

Tout au long de sa vie, Vermeer a travaillé lentement et avec grand soin en utilisant des couleurs vives, ainsi que certains pigments coûteux : comme le bleu intense qui ressort de certaines de ses œuvres. Il n’existe aucun dessin qui puisse être attribué avec précision à Vermeer et ses peintures offrent peu d’indices quant aux méthodes préliminaires.

Aucun autre artiste du XVIIe siècle n’a utilisé le pigment coûteux qui manifeste le ton naturel du lapis-lazuli ou de l’outremer de manière si exubérante dans ses premières œuvres. Vermeer n’a pas seulement employé cette technique dans des éléments de ce ton ; les couleurs terreuses et ocres devaient être comprises comme la lumière chaude d’un tableau fortement éclairé, qui reflétait ses nombreux tons sur le mur.

Cette méthode a très probablement été inspirée par la compréhension qu’avait Vermeer des observations de Léonard de Vinci selon lesquelles la surface de chaque objet partage la couleur de l’objet adjacent. Cela signifie qu’aucun objet n’est correctement vu dans sa pure couleur naturelle.

Remarquable est l’utilisation de cet effet avec l’outremer naturel dans Lady with Two Gentlemen ou Girl with a Glass of Wine.

Les nuances de la robe de satin rouge sont peintes avec de l’outremer naturel, et grâce à ce bleu superposé à la peinture, le mélange de rouge et de vermillon superposé prend une douce couleur violacée, froide et nette, d’autant plus puissante. Malgré ses problèmes financiers, Vermeer a continué à utiliser abondamment l’outremer naturel ; c’est le cas de la Dame assise sur une Vierge.

Vers 1665, une jeune femme avec une perle. C'est ici que s'achève son tableau. L'accent est mis en premier lieu sur l'œil, complété par un visage très sculpté, les lèvres servant de point de mire secondaire.
La jeune fille à la perle, vers 1665. C’est le point culminant de sa peinture. Le regard est le principal centre d’attention et est complété par un visage très modelé dans lequel les lèvres sont le centre d’attention secondaire.

Innovation artistique

Johannes Vermeer a été un précurseur dans la peinture en ce qui concerne les principes de la composition. Il a utilisé une division équilibrée des surfaces, avec laquelle il a également exprimé des structures et des situations complexes de manière simple et avec peu d’éléments.

La ruelle vers 1657-1658
La ruelle vers 1657-1658. Inspiré par les façades urbaines de Bibine, il s’y essaie pour la première fois à la peinture extérieure. Il a utilisé une coloration claire et un modelage précis en utilisant une technique spéciale qu’il a utilisée, appelée pointillé.

La géométrie a joué un rôle important dans la composition. Vermeer utilisait la lumière de telle manière qu’il donnait presque l’impression de peindre en plein air. En outre, il n’a pas utilisé de tons gris pour représenter les ombres. Vermeer excellait dans la restitution de la lumière, de la texture, de la perspective et des couleurs transparentes.

Le peintre néerlandais Vincent van Gogh a écrit au peintre Émile Bernard :

Il est vrai que dans les quelques tableaux qu’il a peints, on retrouve toute la palette de couleurs ; mais unir le jaune citron, le bleu pâle et le gris clair est aussi caractéristique de lui que l’harmonisation du noir, du blanc, du gris et du rose chez Vélasquez.

On a prétendu à maintes reprises que Vermeer utilisait une camera obscura dans ses tableaux pour obtenir le positionnement précis de ses compositions. Par exemple, Norbert Schneider a écrit :

Nous savons aujourd’hui que Vermeer a utilisé une camera obscura dans la plupart de ses tableaux, et ce d’une manière qui ne cache pas les conditions de ce support, mais les rend visibles, comme on peut le reconnaître dans le manque de netteté des bords et des points de lumière, le fameux « pointillé ». Ses peintures atteignent ainsi une qualité « abstraite », car elles ne reproduisent pas la réalité telle qu’elle est, mais telle qu’elle est vue, […] On peut dire que la « camera obscura [devient] une source de style ».

David Hockney, entre autres historiens et promoteurs de la thèse Hockney-Falco, a également émis l’hypothèse que Vermeer utilisait la camera obscura, cette idée entérinant certains effets de lumière et de perspective résultant de la manipulation de lentilles, plutôt que l’utilisation directe de la vue humaine.

Tous les experts ne partagent pas cet avis. Une multitude d’études ont été consacrées à ce sujet. Même parmi les spécialistes qui affirment avec certitude que Vermeer a utilisé la camera obscura, la fréquence de son utilisation fait l’objet d’un débat considérable.

Les discussions ont commencé lorsque le lithographe américain Joseph Pennell a souligné pour la première fois la « perspective photographique » du tableau un homme et une fille qui rient, en 1891.

Charles Seymour et Arthur K. Wheelock jr. affirment que Vermeer a utilisé une camera obscura dans les tableaux Vue de Delft, Allégorie de la peinture, Jeune femme au chapeau rouge et La Dentellière en raison de l’effet de halo visuel. Jørgen Wadum, quant à lui, met davantage l’accent sur l’évolution de Vermeer et sur sa qualité de peintre de la perspective : treize tableaux présentent un petit trou réalisé à l’aide d’une aiguille dans la toile.

Considération et renommée

Jan Vermeer et son œuvre sont restés largement inconnus de son vivant, car ses peintures n’ont pas trouvé d’audience au-delà d’un petit cercle de connaisseurs et d’adeptes.

Cela s’explique par sa faible production et le fait que ses tableaux n’ont jamais été vendus aux enchères. Et bien que la qualité du travail de Vermeer soit appréciée, son œuvre n’attire guère l’attention. Johannes Vermeer n’a pas été complètement oublié au cours des 17e et 18e siècles, mais il a rarement été mentionné dans la littérature. Malgré cela, son travail a été généralement salué.

Au début du XIXe siècle, l’intérêt pour Johannes Vermeer s’est accru, même si peu d’informations biographiques étaient disponibles. Les peintures de Vermeer ont été particulièrement appréciées dans les catalogues de vente aux enchères et ont atteint de bons prix.

De plus, l’œuvre de Vermeer a été reprise par d’autres artistes, comme Wybrand Hendriks, qui a copié la vue de Delft et peint des tableaux de genre dans le style de Vermeer. En 1821, Christian Josi publie un article intitulé Discours sur l’état ancien et moderne des arts dans les Pays-Bas, dans lequel il tente de rassembler toutes les informations sur Vermeer et qui accroît la réputation du peintre.

A Dama al virginal, vers 1667-1669.
A Dama al virginal, vers 1667-1669, il y a une transition de style cherchant une stylisation. Il abandonne les transitions de couleurs et utilise la juxtaposition de couleurs. On le voit bien dans le cadre doré sur le mur.

Après que le tableau Vue de Delft a été particulièrement apprécié dans la littérature spécialisée, le roi Guillaume Ier a décidé d’acheter l’œuvre par l’intermédiaire du Mauritshuis.

Les œuvres de Vermeer exposées dans la galerie royale du Mauritshuis ont attiré l’attention du collectionneur d’art britannique John Smith.

Smith mentionne Vermeer dans son catalogue en huit volumes de peintures de France, de Flandre et des Pays-Bas. Smith explique la courte célébrité de Vermeer par la maigreur de son œuvre. En conséquence, John Smith était perplexe face à son talent, le considérant comme un imitateur et l’élève d’un autre peintre.

À partir du milieu du XIXe siècle, la peinture de Vermeer a été largement reçue. Le publiciste et homme politique français Théophile Thoré s’est familiarisé avec la peinture néerlandaise du XVIIe siècle lors de ses voyages aux Pays-Bas et en Belgique, notamment avec celle de Vermeer.

Thoré a reconnu que le réalisme dans la représentation de la vie quotidienne correspondait bien à l’esthétique de son époque. Il a contribué à établir la réputation de Vermeer avec trois articles de journaux très positifs. Dans les textes, William Bürger, pseudonyme de Théophile Thoré, a catalogué les œuvres de Vermeer et caractérisé sa peinture.

Avec les œuvres de Thoré-Bürger, Vermeer fait sa première entrée importante dans la littérature artistique. En observant la lumière, les impressionnistes sont arrivés à des conclusions similaires à celles de Vermeer, dont les tableaux reproduisaient naturellement la lumière. L’œuvre de Vermeer est ainsi de plus en plus appréciée.

Au début du 20e siècle, des tableaux de Vermeer ont été découverts dans des collections privées, comme la Jeune femme au chapeau rouge.

Ces œuvres avaient été attribuées à d’autres peintres, tels que Gabriël Metsu et Pieter de Hooch. Mais Thoré-Bürger et d’autres critiques et historiens de l’art ont également attribué à Vermeer des tableaux qui n’étaient pas les siens, comme ceux de Jacobus Vrel et Jan Vermeer van Haarlem.

L’étude de Vermeer au 20e siècle s’est principalement attachée à l’identification exacte de l’auteur. Ce n’est qu’en 1935 que le musée de Rotterdam lui a consacré sa première exposition personnelle.

Aujourd’hui, Johannes Vermeer est l’un des peintres néerlandais les plus célèbres. En 1995 et 1996, par exemple, 460 000 personnes ont visité pendant 14 semaines l’exposition Johannes Vermeer à La Haye, qui présentait 22 de ses œuvres. Plus extraordinaire encore, l’exposition a affiché complet à l’avance. À Washington D. C., l’exposition a été visitée par 327 551 personnes.

Succès commercial

Johannes Vermeer était soutenu par des mécènes, qui achetaient la plupart de ses tableaux. Une importante collection a fini entre les mains de Jacob Dissius et de son épouse Magdalena van Ruijven, propriétaires d’une imprimerie, qui, selon un inventaire réalisé après 1682, possédaient 19 œuvres de Vermeer.

La Dentellière, vers 1669
Dans La Dentellière, vers 1669, il perfectionne sa nouvelle technique de stylisation. Il représentait la concentration au travail en prenant soin du visage et des mains et en négligeant les détails qui détournent l’attention. Dalí, qui avait de l’admiration pour ce tableau, en fit une copie et une version surréaliste.

Certaines venaient de son père, Pieter Claesz van Ruijven. D’autres ont pu être achetés par Magdalena van Ruijven, Jacob Dissius ou son père, Abraham Jacobsz Dissius, puisque 26 œuvres de Vermeer ont été vendues lors de la vente de succession organisée le 15 mai 1677 à la guilde de Saint-Luc. Il est donc probable que les deux familles ont acheté des tableaux de Vermeer.

Sur le plan commercial, les œuvres de Vermeer ont toujours occupé une place de choix. Le 16 mai 1696, lors d’une vente aux enchères de Gérard Houet, au cours de laquelle 134 tableaux sont mis aux enchères, 21 d’entre eux sont apparemment de Vermeer.

Les prix demandés pour ces peintures allaient de 17 à 200 florins. Le fait que ses peintures atteignent des prix aussi élevés est le signe qu’il était un artiste recherché. Lors de la même vente aux enchères, par exemple, un portrait de Rembrandt s’est vendu pour un peu plus de sept florins et la Décapitation de saint Jean Baptiste attribuée à Carel Fabritius s’est vendue pour 20 florins, soulignant la valeur de Vermeer.

Avec la renommée et l’appréciation croissantes de l’œuvre de Vermeer au début du XIXe siècle, les prix ont également augmenté. Ainsi, Le Géographe a été vendu en 1798 pour sept louis et en 1803 à nouveau pour 36 louis.

À la fin du XIXe siècle, de plus en plus de tableaux de Vermeer sont échangés à des prix de plus en plus élevés. Des millionnaires américains tels que John Pierpont Morgan, Henry Frick, Henry Marquand et Isabella Stewart Gardner ont acheté des œuvres de Vermeer et ont été courtisés par les musées pour les prêter ou peut-être en transférer la propriété. L’Allégorie de la foi est un exemple de l’évolution des prix.

En 1899, Abraham Bredius a acheté ce tableau pour environ 700 florins et l’a prêté à la Mauritshuis et au musée Boymans van Beuningen. Bredius a finalement vendu le tableau pour environ 300 000 dollars à l’Américain Michael Friedsam, qui l’a légué au Metropolitan Museum de New York.

En 1921, Henri W. A. Deterding a acheté L’Allée à la collection Collectie Six, du nom du collectionneur Jan Six, pour 625 000 florins et l’a offerte à l’État néerlandais. À la demande de Deterding, le tableau a été exposé au Rijksmuseum d’Amsterdam. L’évolution des prix et la forte demande ont fait de Vermeer un artiste attrayant pour les faussaires.

En 1940, Adolf Hitler a acheté L’art de la peinture (Allégorie de la peinture) pour 1 650 000 Reichsmark aux Autrichiens Eugen et Jaromir Czernin. Des taxes de quelque 500 000 Reichsmark ont également été payées par Hitler.

Il y avait déjà eu plusieurs offres, dont une de plus de six millions de dollars de la part du secrétaire d’État américain Andrew Mellon, mais l’autorisation d’exportation n’a pas été accordée. Le tableau a été acheté pour son projet de musée d’art à Linz, et après son achat, le tableau a été temporairement conservé à Munich.

Vers la fin de la Seconde Guerre mondiale, il a été caché dans la mine de sel d’Altaussee, et après la guerre, il a été emprunté par les Américains. Ils ont donné L’art de la peinture au Musée d’histoire de l’art de Vienne.

En 2004, Steve Wynn a vendu aux enchères Jeune femme assise à la Vierge pour trente millions de dollars. C’était la première fois qu’un Vermeer était vendu aux enchères depuis 1921.

Contrefaçons

La paternité de Vermeer n’étant considérée comme certaine que pour 37 tableaux, des rumeurs répétées font état de l’existence d’autres tableaux, dont l’emplacement est inconnu. Cette situation a été exploitée par des faussaires pour créer des tableaux de Vermeer prétendument inconnus et les vendre sur le marché de l’art. La demande de tableaux de Vermeer était si forte qu’elle ne pouvait être satisfaite par la rareté de son œuvre.

Le Néerlandais Han van Meegeren (1898-1947) a créé des faux si parfaits que même l’expert de Vermeer Abraham Bredius a rendu des rapports d’expertise sur l’authenticité de ces œuvres. Bredius a notamment confirmé l’authenticité du Souper à Emmaüs de van Meegeren, qui a été acheté par le musée Boijmans van Beuningen de Rotterdam en 1938.

Une dame écrivant une lettre et sa servante, vers 1670.
Une dame écrivant une lettre et sa servante, vers 1670, appartient également à la période stylisée, combinant des éléments communs réussissant à représenter magistralement la sérénité.

Même l’État néerlandais a acheté en 1943 le faux Vermeer Le Laveur de pieds, qui se trouve maintenant au Rijksmuseum d’Amsterdam. Le Reichsmarschall Hermann Göring a également acheté un faux de Han van Meegeren pour la collection qu’il constituait en pillant dans les pays occupés d’Europe pendant la Seconde Guerre mondiale.

Le faux était si bon que les autorités néerlandaises l’ont également considéré comme authentique et l’ont accusé de trahison pour avoir vendu de l’art néerlandais aux nazis.

Pour prouver qu’il était l’auteur du tableau en question, Van Meegeren a composé un nouveau tableau attribuable à Vermeer sous l’œil attentif de la police néerlandaise. Les autorités néerlandaises ont modifié les chefs d’accusation, passant de la trahison à la falsification, ce qui a valu à Van Meegeren une peine de deux ans de prison.

Outre Bredius, Wilhelm von Bode et le directeur du Mauritshuis, Wilhelm Martin, ont également réalisé des contrefaçons positives de faux Vermeer. Ces peintures se trouvent aujourd’hui à la National Gallery of Art de Washington.

En attendant, il existe des méthodes d’investigation qui permettent d’établir avec certitude si un tableau attribué à Johannes Vermeer a été peint à la bonne époque.

Les contrefaçons dans lesquelles du plomb moderne ou des composés de plomb modernes ont été utilisés dans les pigments peuvent être détectées à l’aide de la méthode du plomb 210. Le plomb 210 est un isotope du plomb de la famille de désintégration de l’uranium 238, créé à partir du radium 226 avec une demi-vie de 22 ans.

Cette courte demi-vie peut être utilisée pour identifier les contrefaçons plus récentes. En outre, le plomb provenant du Mittelgebirge en Europe centrale était utilisé aux Pays-Bas à l’époque de Vermeer.

À partir du XIXe siècle, on a commencé à utiliser du plomb d’Amérique et d’Australie, de sorte que la céruse (le pigment blanc) présente des oligo-éléments et une composition isotopique différents qui la distinguent de la céruse plus ancienne. Cette dernière était également caractérisée par une forte teneur en argent et en antimoine, alors que la céruse moderne ne contient plus ces éléments chimiques, qui sont séparés du plomb par réduction.

Peinture

En peinture, Vermeer a eu une influence importante sur Salvador Dalí. Enfant, Dalí était fasciné par une reproduction de La Dentellière de Vermeer, accrochée dans le bureau de son père.

En 1934, il peint un certain nombre d’œuvres liées aux travaux de Johannes Vermeer, comme le Mascaradeur, enivré par l’atmosphère limpide, ou le Spectre de Delft de Vermeer, qui représente Vermeer sous la forme d’une figure sombre agenouillée, sa jambe formant une table.

Sur la table, il y a une bouteille et une petite tasse. Dans le tableau « Paysage avec éléments énigmatiques » de la même année, Jan Vermeer est représenté devant le chevalet. En 1936, il a peint Apparition de la ville de Delft, qui montre une partie de la vue de Delft en arrière-plan.

Femme jouant de la guitare, vers 1672.
Femme jouant de la guitare, vers 1672. Le style tardif est extrême, certains détails sont traités schématiquement. Il abandonne son idéal de figures immobiles en faisant rire et bouger cette femme.

Salvador Dalí a demandé au Louvre l’autorisation de faire une copie de La Dentellière, ce qui lui a été accordé. Ainsi, en 1955, il peint la copie et le tableau Peintre paranoïaque-critique de la Dentellière de Vermeer, dans lequel il fait exploser le tableau en forme de cornes de rhinocéros. Cette forme était déjà apparue dans l’enfance de Dalí, car lorsqu’il regardait le tableau, il devait penser aux cornes.

Salvador Dalí admirait Vermeer et a comparé Le Dentellier à la chapelle Sixtine, a-t-il littéralement fait remarquer :

Michel-Ange avec son Jugement dernier n’est pas plus extraordinaire que Vermeer van Delft avec sa boîte à dentelle au Louvre, de la taille d’un pouce carré. Si l’on tient compte des dimensions plastiques, on peut dire que La Dentellière est extraordinaire comparée à la chapelle Sixtine.

Littérature

Le tableau Vue de Delft est une référence célèbre dans l’œuvre de l’écrivain français Marcel Proust. Proust se rend aux Pays-Bas en octobre 1902 et y voit, entre autres tableaux, la Vue de Delft de Vermeer, qu’il préfère.

Lorsqu’une collection de tableaux de maîtres hollandais est exposée au musée du Jeu de Paume à Paris au printemps 1921, Proust s’y rend, bien qu’il soit malade d’asthme et qu’il se soit retiré de la vie publique, car Vue de Delft, La laitière et la fille à la boucle d’oreille de perle y sont exposés.

Dans les escaliers menant à l’exposition, il a eu un accès de faiblesse, qu’il a attribué aux pommes de terre qu’il avait mangées auparavant. Marcel Proust revisite à la fois la vue de Delft et son accès de faiblesse dans son œuvre monumentale à la recherche du temps perdu (écrite entre 1913 et 1927, « In Search of Lost Time »), plus précisément dans sa cinquième partie, La Prisonnière (1923, « The Prisoner ») avec son personnage Bergotte.

Grâce à une revue, l’attention de Bergotte a été attirée sur un « morceau de mur jaune » dans la Vue de Delft. Ce morceau de mur reste aujourd’hui un mystère, car il n’a pas été retrouvé dans le tableau.

Le lieu est décrit dans le français original comme Le petit pan de mur jaune avec un auvent et du tout petit pan de mur jaune (« the little piece of wall with a little roof »). Comme cet élément ne figure pas dans le tableau, on suppose aujourd’hui qu’il a été inventé par Proust pour son roman, ou qu’il est dû à un défaut de mémoire.

Vermeer est récemment devenu très populaire grâce au roman La fille à la boucle d’oreille de perle de Tracy Chevalier. Le livre traite de la question de l’identité de la femme dans le tableau La fille à la boucle d’oreille de perle, en développant une histoire fictive autour de la servante Griet, qui joue le rôle du modèle.

L’histoire de Susan Vreeland dans son livre The Girl in Hyacinth Blue est également une fiction. Dans le livre, un tableau fictif de Vermeer, Jeune fille à la boîte à couture, qui représenterait la fille du peintre, est montré à travers ses propriétaires, du présent à Vermeer lui-même, qui n’est traité qu’à la fin du livre.

Femme assise jouant de l'épinette, vers 1675.
Femme assise jouant de l’épinette, vers 1675. La décadence de sa puissance créatrice se voit aussi bien dans la composition que dans la lumière et les détails.

Avec L’énigme Vermeer, le peintre s’invite dans la littérature jeunesse. Le livre de l’auteur Blue Balliett traite principalement des peintures Le Géographe et Lady in Yellow Writing.

Ce dernier est volé dans l’histoire pour attirer l’attention sur le fait que certaines peintures ont été attribuées par erreur à Vermeer.


En 2005, Luigi Guarnieri a écrit le roman La doppia vita di Vermeer (« La double vie de Vermeer »), qui raconte l’histoire du faussaire Han van Meegeren, qui s’est fait un nom avec ses faux Vermeer.

Cinéma

L’œuvre de Vermeer a non seulement laissé son empreinte sur la peinture de Dalí, mais aussi sur son travail cinématographique. En 1954, Dalí et Robert Descharnes commencent à travailler sur un film intitulé L’Histoire prodigieuse de la Dentelliere et du Rhinoceros ou L’aventure prodigieuse de la Dentelliere et du Rhinoceros.

Le film, lié à La Dentellière et le Rhinocéros, n’a jamais été terminé. Le film surréaliste Un chien andalou de 1929, coécrit par Dalí, présente aussi brièvement La Dentellière comme illustration dans un livre.

Peter Greenaway a tenté de reproduire les œuvres de Vermeer dans son film A Zed & Two Noughts (1985). Dans le film All the Vermeers in New York (1990) de Jon Jost, Vermeer est souvent mentionné lorsqu’une actrice française rencontre un agent au Metropolitan Museum.

En 2003, le réalisateur britannique Peter Webber a adapté le livre The Girl with the Pearl Earring. Le personnage principal, Griet, la femme de chambre, est joué par Scarlett Johansson et Vermeer par Colin Firth. Le film The Girl with the Pearl Earring a remporté plusieurs prix et a été nommé pour trois Oscars.

En 2013, Teller a réalisé le film documentaire Tim’s Vermeer. Il présente l’inventeur Tim Jenison dans un processus de 5 ans pour reproduire la peinture Music Lesson en recréant les modèles et la technique d’origine.

Emilie Dubois

Emilie Dubois, une fille dans l'informatique était mal vue à l'époque de mes études. C'est pour cette raison que l'on m'a cantonné à des rôles secondaires lors des travaux de groupe, notamment celui de centralisateur des informations. Ce rôle central, au final crucial, m'a plu. C'est comme cela que je suis devenue chef de projet. Plus tard, cette attirance pour l'information m'a poussé à suivre des cours de journalisme. Comme j'avais la propension de centraliser l'actualité technologique, un ami m'a dit un jour : «Emilie, tu peux le faire ». C'est comme cela que je me suis retrouvée embarquée dans l'aventure de linformatique.org. Vu mon boulot, ce sont surtout les nouvelles technologies qui m'intéressent le plus.

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